La musica nel barocco solare ucraino: da Diletsky a Skovoroda, di Carlo Sarno

La musica nel barocco solare ucraino: da Diletsky a Skovoroda

di Carlo Sarno

Iconostasi, Chiesa Santa Sofia, Kyiv.

INTRODUZIONE

Nikolai Diletsky (c. 1630 – dopo il 1680) è stato un importante compositore e teorico musicale ucraino, figura centrale nel passaggio della musica sacra ucraina dal canto monodico tradizionale alla polifonia di stampo occidentale.

Vita e Formazione
Nato a Kiev (all'epoca parte della Confederazione polacco-lituana), Diletsky ricevette la sua formazione musicale a Vilnius e probabilmente a Varsavia, dove entrò in contatto con le tecniche compositive barocche europee. Visse e lavorò in diverse città, tra cui Vilnius, Smolensk.
Il Trattato: "Grammatica Musicale"
La fama di Diletsky è legata principalmente al suo trattato teorico, noto come Grammatika musikiyskago peniya (Grammatica del canto musicale), scritto originariamente in polacco nel 1675 e successivamente tradotto e rielaborato in diverse versioni (Smolensk 1677).
Importanza storica: Fu il primo lavoro del suo genere inUcraina, introducendo i principi della teoria musicale occidentale.
Contributi teorici: Contiene una delle prime descrizioni documentate del circolo delle quinte, anticipando di decenni alcuni trattati dell'Europa occidentale.
Didattica: Il testo fungeva da manuale pratico per insegnare la composizione "partesny" (canto a più voci) e la notazione mensurale.

Produzione Musicale e Stile
Diletsky fu un pioniere del canto partesny, uno stile corale polifonico a cappella che sostituì il tradizionale canto piano (Znamenny) nelle chiese ortodosse. Le sue opere sono caratterizzate da una complessa polifonia che può raggiungere anche le 8 o più voci.
Tra le sue opere principali sopravvissute figurano:
Liturgie Divine: Tra cui la "Liturgia di Kiev" e la "Liturgia Proporzionale".
Canone della Resurrezione: Un'opera per 8 voci celebrata per la sua maestosità.
Concerti Sacri: Come Voshel yesi vo tserkov (Sei entrato nella chiesa) e Izhe obrazu Tvoemu.

Il suo lavoro è considerato il fondamento della musica barocca slava orientale, avendo creato un ponte duraturo tra le tradizioni locali e l'avanguardia teorica europea del XVII secolo.



LA TEORIA MUSICALE DI DILETSKY

La teoria musicale di Nikolai Diletsky, esposta nella sua opera monumentale "Grammatika musikiyskago peniya" (Grammatica del canto musicale), rappresenta il primo tentativo sistematico di trapiantare la scienza armonica occidentale nel mondo slavo-orientale.
Ecco i principi fondamentali del suo pensiero teorico:

1. Il Circolo delle Quinte
Diletsky è accreditato come uno dei primi teorici al mondo a descrivere graficamente e concettualmente il circolo delle quinte.
Innovazione: Molto prima di Johann David Heinichen o altri teorici barocchi occidentali, Diletsky utilizzò il circolo per spiegare la relazione tra le tonalità e come queste potessero essere concatenate in una composizione.
Finalità: Il cerchio serviva come strumento pratico per i compositori per comprendere le trasposizioni e la struttura delle scale maggiori e minori.

2. Teoria della Composizione e Retorica
Diletsky non vedeva la musica solo come calcolo matematico, ma come un'estensione della retorica.
L'Affectus: Seguendo la tradizione europea (in particolare quella polacca e gesuita), insegnava che la musica doveva muovere gli "affetti" (emozioni) dell'ascoltatore.
Regole di contrappunto: Il trattato forniva istruzioni dettagliate su come scrivere a più voci (stile partesny), passando dal contrappunto semplice a quello complesso a 8 o più voci.
Esempi pratici: A differenza di molti trattati teorici astratti, la "Grammatica" è ricca di esempi musicali tratti dalle sue stesse opere, fungendo da vero e proprio manuale di laboratorio per i futuri compositori russi.

3. Tonalità e Notazione
Passaggio ai modi moderni: Diletsky favorì l'abbandono dei vecchi modi ecclesiastici russi a favore del sistema tonale moderno (maggiore/minore), definendo chiaramente le triadi e le loro funzioni.
Notazione mensurale: Introdusse l'uso sistematico della notazione su pentagramma con note di diversa durata (minime, semiminime, ecc.), sostituendo la notazione neumatica (Znamenny) che non permetteva la precisione necessaria per la polifonia complessa.

4. Le Versioni del Trattato
La teoria di Diletsky si è evoluta attraverso diverse edizioni, adattandosi ai vari contesti culturali in cui ha operato:
Vilnius (1675): Scritta in polacco, intitolata Toga zlota (La toga d'oro).
Smolensk (1677): Prima versione in antico slavo ecclesiastico.
Mosca (1679 e 1681): Versioni definitive che influenzarono la corte dello Zar e l'aristocrazia , stabilendo lo standard per la musica russa del XVIII secolo.


La teoria di Diletsky è stata il catalizzatore che ha trasformato la musica liturgica slava da un canto monodico austero a un'esplosione di sonorità barocche, dando vita al concerto sacro a cappella (o partesny concerto).
Ecco come le sue innovazioni teoriche si sono tradotte in pratica:

1. Il Modello "Veneziano" senza Strumenti
Diletsky adattò lo stile policorale veneziano (dei Gabrieli e di Monteverdi) alla rigida regola della Chiesa Ortodossa, che vietava l'uso di strumenti musicali.
L'orchestra vocale: Insegnò a usare le voci come se fossero strumenti. Il coro veniva diviso in gruppi contrapposti che "dialogavano" tra loro, creando effetti di eco, contrasti dinamici e una ricchezza timbrica che imitava la magnificenza delle orchestre barocche europee.

2. Retorica Musicale e "Pittura Sonora"
Nella sua Grammatica, Diletsky spiegava che ogni intervallo e ogni armonia dovevano servire a illustrare il significato del testo sacro:
Simbolismo: Per testi di gioia (come la Resurrezione), prescriveva armonie in modo maggiore e ritmi vivaci, talvolta ispirati alle danze popolari o ai canti festosi (kanty).
Pathos: Per momenti di penitenza, introduceva dissonanze e cromatismi (fino ad allora sconosciuti nella tradizione locale) per "muovere gli affetti" dei fedeli.

3. Struttura del Concerto Sacro
Grazie alla sua teoria della notazione mensurale e del circolo delle quinte, i compositori iniziarono a scrivere pezzi più lunghi e complessi:
Variazione delle texture: Il concerto alternava sezioni a ranghi ridotti (soli o duetti) a momenti "tutti" di grande potenza sonora.
Sviluppo armonico: Il circolo delle quinte permetteva di modulare tra diverse tonalità, rendendo la musica dinamica e meno ripetitiva rispetto al vecchio canto piano.

L'influenza di Diletsky fu così profonda che il suo trattato rimase il testo di riferimento per oltre un secolo. 



IL CANONE DELLA RESURREZIONE

Il Canone della Resurrezione (scritto per 8 voci) è considerato il capolavoro assoluto di Nikolai Diletsky. È l'opera in cui la sua teoria musicale e la sua visione spirituale si fondono perfettamente.
Analizziamone gli aspetti più significativi basandoci sui principi che abbiamo discusso:

1. La Struttura Policorale (8 Voci)
Diletsky divide l'organico in due cori da quattro voci ciascuno (Soprano, Alto, Tenore, Basso).
Dialogo tra i cori: L'opera non è una massa sonora costante, ma un gioco di "domanda e risposta". Un coro lancia un'affermazione musicale e l'altro risponde, spesso con un'intensità maggiore o in un registro diverso.
Sezioni a ranghi ridotti: Per creare contrasto, Diletsky alterna momenti in cui cantano tutte le 8 voci a passaggi più intimi (trii o quartetti), rendendo l'esplosione finale del "tutti" estremamente potente.

2. L'applicazione della Retorica (Pittura Sonora)
Il testo celebra la Pasqua ortodossa, il momento di massima gioia. Diletsky utilizza diverse tecniche retoriche per sottolineare le parole:
L'Ascensione: Su parole che richiamano la salita o il cielo, le linee melodiche tendono a salire rapidamente verso l'alto.
La Luce: Per descrivere la luce della Resurrezione, utilizza accordi aperti e armonie brillanti in modo maggiore, applicando la sua teoria degli "affetti" per trasmettere uno stato di esultanza.

3. Innovazione Armonica
Nel Canone, Diletsky mette in pratica le sue scoperte sul circolo delle quinte:
Modulazioni: A differenza della musica russa precedente, che rimaneva statica su un unico centro tonale, il Canone si muove tra tonalità vicine. Questo crea un senso di progressione e di "viaggio" narrativo.
Verticalità: Qui nasce l'armonia moderna slava. Le voci non seguono solo linee melodiche indipendenti, ma si incastrano per formare blocchi accordali chiari, rendendo il testo molto più comprensibile nonostante la complessità a 8 voci.

4. Il Ritmo "Danzante"
Uno degli aspetti più sorprendenti di quest'opera è il ritmo.
Influenza dei "Kanty": Diletsky integra ritmi ternari e sincopati che derivano dai canti paraliturgici popolari e dalle danze barocche polacche.
Dinamismo: Il Canone ha un'energia quasi "motoria", molto lontana dalla staticità meditativa del canto gregoriano o dello Znamenny.

Il Canone della Resurrezione è il "punto zero" della musica colta ucraina. Prima di Diletsky, la musica sacra era un atto di umiltà quasi anonimo; dopo di lui, diventa un'arte monumentale e teatrale che riflette la grandezza del divino attraverso la complessità dell'intelletto umano.



DILETSKY E LA MUSICA TRADIZIONALE UCRAINA

La relazione tra Nikolai Diletsky e la musica popolare ucraina è un caso affascinante di osmosi culturale: Diletsky prese il "fango" della terra (le melodie dei villaggi) e lo trasformò nell' "oro" della cattedrale (la polifonia barocca).

Nonostante la sua formazione accademica e "latina", Diletsky non recise mai il cordone ombelicale con la sua terra, rendendo il Barocco Solare profondamente autoctono.

1. Il ritmo dei "Kanty" e delle Danze

Diletsky fu il primo a sdoganare i ritmi popolari all'interno della liturgia.

I Kanty: Erano canti para-liturgici cantati dal popolo fuori dalle chiese. Diletsky ne assorbì la struttura strofica e il ritmo ternario (3/4), infondendo nelle sue composizioni sacre un’energia che invitava quasi alla danza, tipica della gioia (Radosh) popolare.

Sincopi e Vitalità: Molte sue "fioriture" ritmiche derivano direttamente dai canti di festa ucraini, conferendo alla sua musica quella mobilità che la distingueva dal severo contrappunto tedesco o fiammingo. L'Enciclopedia dell'Ucraina sottolinea come egli abbia creato una sintesi tra lo stile mottettistico occidentale e le tradizioni locali.

2. L'Eredità della Monodia Eterofonica

Nella musica popolare ucraina, spesso un solista inizia una melodia e il gruppo "risponde" creando piccole variazioni spontanee (eterofonia).

La versione colta: Diletsky sistematizzò questa tendenza popolare trasformandola nella tecnica dell'imitazione polifonica. Quella che nel villaggio era un'improvvisazione collettiva, nella Grammatika di Diletsky divenne una regola compositiva rigorosa, ma che manteneva all'orecchio lo stesso sapore di "comunità che canta insieme".

3. La "Tristezza Luminosa" e il Cromatismo

Le canzoni popolari ucraine sono famose per la loro capacità di passare repentinamente dalla gioia estrema a una malinconia struggente (la Zhal).

Armonia Emozionale: Diletsky utilizzò la sua teoria del circolo delle quinte per dare una veste dotta a queste transizioni emotive. Introdusse cromatismi e passaggi in modo minore che ricalcano le influenze delle scale modali popolari, permettendo alla musica di "piangere" e "ridere" proprio come faceva il popolo nelle piazze.

4. La "Vite" come Motivo Folclorico

Il motivo della vite che abbiamo analizzato non è solo un’invenzione barocca, ma un pilastro dell'arte popolare (ricami, ceramiche, canti).

Simbolismo rurale: Per un contadino ucraino del XVII secolo, la musica di Diletsky non suonava come qualcosa di "alieno" o straniero, perché riconosceva in quei melismi circolari le stesse forme che la moglie ricamava sulle camicie (vyshyvanka) o che vedeva crescere nel proprio orto. Diletsky diede dignità teorica all'estetica rurale, elevandola a lode divina.

5. Il Coro come "Assemblea del Popolo"

Mentre in Occidente il coro stava diventando un’entità professionale separata, Diletsky mantenne l’idea del coro come espressione della comunità.

Sinfonia democratica: La sua polifonia a 8 o 12 voci riflette l'ideale ucraino della Sobornist (unità nella diversità). Come in una festa di villaggio ognuno porta la sua voce, così nelle sue partiture ogni linea è un individuo che contribuisce alla gloria solare del tutto.

Diletsky è stato il grande traduttore: ha preso il genio grezzo del popolo ucraino e gli ha dato una "Grammatica", permettendo alla cultura locale di parlare alla pari con le grandi corti europee senza rinnegare le proprie radici solari.

DILETSKY E LA TRADIZIONE BIZANTINA

La relazione tra Nikolai Diletsky e la tradizione bizantina è un tema di straordinaria complessità: egli rappresenta, allo stesso tempo, la rottura e la continuità.
Diletsky operò in un momento in cui la Chiesa Ortodossa (soprattutto in Ucraina e Russia) cercava di modernizzarsi senza perdere la propria anima orientale. La sua missione fu quella di giustificare "teologicamente" l'uso della musica occidentale all'interno della liturgia bizantina.

1. La conciliazione con i Padri della Chiesa
Per introdurre la polifonia (vista dai conservatori come un'influenza cattolica o "latina"), Diletsky dovette fare appello all'autorità dei Padri della Chiesa.
La musica come specchio del divino: Diletsky riprese il concetto patristico (presente in autori come San Giovanni Crisostomo o Basilio il Grande) della musica come riflesso dell'armonia celeste. Se Dio è "Uno e Trino", Diletsky sosteneva che l'armonia a più voci (la triade) fosse una metafora perfetta della Trinità, superiore alla semplicità del canto monodico.
L'ordine cosmico: Il suo trattato descrive la musica come una "scienza divina". Citando indirettamente la visione dei Padri sul Cosmos ordinato, Diletsky presentava le regole del contrappunto non come un vezzo estetico, ma come la scoperta delle leggi matematiche e spirituali con cui Dio ha creato l'universo.

2. Il rapporto con la Liturgia Bizantina
Diletsky non cambiò i testi della liturgia, ma ne trasformò radicalmente la percezione temporale e sensoriale:
La struttura della Liturgia: Egli compose cicli completi della Liturgia di San Giovanni Crisostomo. Pur mantenendo la struttura fissa bizantina, sostituì la staticità del canto Znamenny (il canto piano tradizionale) con una dinamica barocca.
Il testo come centro: Sebbene usasse tecniche occidentali, Diletsky rimase fedele al principio orientale della centralità della Parola. La sua polifonia, pur complessa, cercava sempre di rendere il testo slavo ecclesiastico solenne e intellegibile, evitando che la musica "oscurasse" la preghiera (un timore tipico della spiritualità bizantina).

3. Tensioni e Sintesi
Il rapporto tra Diletsky e la tradizione bizantina fu caratterizzato da una tensione creativa:
Orizzontalità vs Verticalità: La musica bizantina originale è orizzontale (una linea melodica che fluisce nel tempo). Diletsky introdusse la verticalità (l'accordo). Questo fu visto come un cambiamento teologico: l'incontro tra l'eternità del canto greco e il dinamismo del tempo umano tipico del barocco europeo.
L'Icona Sonora: Molti studiosi vedono le composizioni di Diletsky come "Icone Sonore". Come l'icona bizantina usa prospettive inverse per mostrare il divino, Diletsky usava la policoralità per circondare il fedele di suoni, creando uno spazio liturgico tridimensionale e avvolgente.

4. La "Kyivska Nota" (Notazione di Kiev)
Un legame tecnico fondamentale fu lo sviluppo della notazione quadrata di Kiev. Diletsky la promosse come compromesso: era più vicina alla notazione occidentale (permettendo la polifonia), ma manteneva un legame visivo e calligrafico con i manoscritti liturgici russi e ucraini antichi, facilitando l'accettazione della riforma nei monasteri.

In sintesi, Diletsky è l'uomo che ha dato alla Chiesa Orientale un nuovo linguaggio per esprimere la vecchia fede, convincendo i suoi contemporanei che la "musica moderna" non era un'eresia, ma un modo più maestoso per onorare la liturgia dei Padri.



LA SINESTESIA DELLE ARTI NELLA TEORIA DI DILETSKY

Nella teoria di Nikolai Diletsky, la sinestesia non è un concetto psicologico moderno, ma una visione cosmologica e teologica in cui i sensi convergono per riflettere l'ordine divino. Per Diletsky, la musica non è un'arte isolata, ma interagisce con la vista, il colore e la geometria sacra.
Ecco i punti chiave di questa interconnessione:

1. Colore e Tonalità: Il "Cromatismo" Spirituale
Diletsky associava le emozioni musicali a percezioni visive e "colori" dell'anima. Nella sua Grammatika, l'uso del circolo delle quinte non è solo tecnico, ma serve a mappare le tonalità secondo il loro "carattere":
Le tonalità maggiori erano associate alla luce, allo splendore dell'oro delle icone e alla gioia della Resurrezione.
Le tonalità minori e le dissonanze erano paragonate all'oscurità, alla penitenza e alla "tristezza luminosa" tipica della spiritualità ortodossa.
Questa "pittura sonora" permetteva all'ascoltatore di "vedere" il significato del testo sacro attraverso l'udito.

2. Musica come Architettura Sonora
Diletsky concepiva il partesny concerto (a più voci) in modo strettamente correlato allo spazio fisico della chiesa:
Policoralità e Spazio: Disponendo i cori in punti diversi della chiesa, Diletsky creava una sinestesia tra suono e architettura. Il fedele non solo ascoltava la musica, ma ne veniva avvolto fisicamente, percependo la "forma" del suono nello spazio, quasi come se le pareti stesse e le cupole stessero cantando.
Proporzioni: Come le icone e le cattedrali bizantine seguivano precise proporzioni geometriche, così le sue composizioni (specialmente la Liturgia Proporzionale) applicavano rapporti matematici rigorosi, visti come la manifestazione visibile di una perfezione udibile.

3. La "Parola Visibile": Retorica e Gesto
Per Diletsky, la musica era una forma di eloquenza. Il legame tra la parola (logos), il suono e l'immagine era totale:
Figure Retoriche: Se il testo parlava di "salita al cielo", la musica doveva muoversi verso l'acuto. Questo creava un'immagine mentale immediata nel fedele, un'icona invisibile ma percepibile.
Il Direttore come Pittore: Diletsky fu uno dei primi a dare importanza al ruolo del maestro di cappella, che attraverso il gesto doveva "disegnare" la musica nell'aria, rendendo visibile l'andamento delle voci.

4. Il Simbolismo della Trinità
Il nucleo della sua sinestesia artistica risiede nella Triade (l'accordo).
Diletsky teorizzò che l'accordo perfetto fosse la rappresentazione uditiva del dogma della Trinità. In questo senso, la musica diventa una "teologia dei sensi": l'orecchio percepisce tre note, ma la mente ne coglie una sola unità armonica, esattamente come l'occhio contempla un'icona della Trinità (come quella di Andrej Rublëv) e ne coglie l'unità divina.

Per Diletsky le arti non erano separate: la musica era architettura che si muove, l'architettura era musica solidificata e l'icona era la fede resa visibile.



LA SINESTESIA DI DILETSKY E LO SPAZIO BAROCCO

La sinestesia nell'opera di Nikolai Diletsky si manifesta come una fusione totale tra musica polifonica e lo spazio sacro barocco, creando un'esperienza sensoriale coordinata che i contemporanei chiamavano "concerto di tutte le arti".
Ecco come le sue teorie musicali si riflettevano concretamente nella decorazione e nell'architettura delle chiese dell'epoca:

1. L'Iconostasi come "Spartito Visivo"
Nelle chiese del Barocco ucraino e russo, l'iconostasi divenne immensa e riccamente decorata con intagli dorati a motivi floreali (foglie d'acanto, viti).
Corrispondenza estetica: Esiste un parallelo tra l'ornamentalità della musica di Diletsky e i fregi delle iconostasi. Come Diletsky arricchiva la linea melodica con "fioriture" e passaggi virtuosistici, gli intagliatori riempivano ogni spazio con dettagli dinamici, creando un senso di "movimento nell'immobilità".
Struttura a piani: La divisione dell'iconostasi in più registri (ordini di icone) rispecchiava la struttura delle voci (Soprano, Alto, Tenore, Basso) e la divisione in cori contrapposti teorizzata nella sua Grammatika.

2. Verticalità e Luce: Architettura e Suono
L'architettura barocca delle chiese di Kiev (come la Cattedrale di Santa Sofia restaurata o il Monastero di Vydubychi) enfatizzava la verticalità attraverso cupole a forma di bulbo e interni slanciati verso l'alto.
L'effetto ascendente: Diletsky utilizzava progressioni armoniche e scale ascendenti per guidare l'orecchio del fedele verso l'alto, in perfetta sincronia con lo sguardo che veniva attirato verso il Pantocratore nella cupola centrale.
Luce e Tonalità: Le ampie finestre del barocco ucraino inondavano l'interno di luce solare, che rimbalzava sull'oro delle icone. Diletsky associava le tonalità maggiori (come il Do maggiore, da lui definito "gioioso") a questa luminosità solare, contrapponendo il "colore" del suono a quello dell'ambiente.

3. La Dinamizzazione dello Spazio
Il principio della concertazione (il contrasto tra gruppi diversi) teorizzato da Diletsky trasformava la liturgia in un evento teatrale e tridimensionale.
Dialogo spaziale: La musica policorale veniva eseguita da gallerie o punti diversi della chiesa (i cliros), facendo sì che il suono "viaggiasse" tra le immagini sacre. Questo rendeva l'esperienza religiosa non solo uditiva ma cinetica: il fedele percepiva Dio come una presenza onnipresente che si muoveva attraverso la luce, l'incenso e il suono.

4. Il Simbolismo delle Forme
Diletsky considerava la musica una "scienza matematica divina". Questo rigore si rifletteva nella geometria sacra delle decorazioni:
Proporzioni: Le proporzioni matematiche che regolavano gli intervalli musicali nel suo trattato erano le stesse che architetti e pittori usavano per bilanciare le facciate delle chiese e le dimensioni delle icone, cercando un'armonia universale che unisse tutte le percezioni umane.

In sintesi, entrare in una chiesa barocca del XVII secolo significava immergersi in una "Grammatica" vivente: le orecchie ascoltavano la complessa polifonia di Diletsky, mentre gli occhi leggevano la stessa complessità negli ori e nelle forme delle icone, in una sintesi perfetta tra ascolto e visione.



BAROCCO SOLARE COME ESTETICA DELLA GIOIA

Il concetto di "Barocco Solare" (o Barocco di Kiev) è ciò che distingue nettamente l'area ucraina dal barocco europeo occidentale, spesso più cupo, drammatico e controriformista. La teoria di Diletsky è la colonna sonora di questa "solarità".
La relazione tra la sua teoria e l'ornamento tradizionale crea un'estetica della gioia e della luce attraverso tre canali principali:

1. La "Luce Bianca" e le Tonalità Maggiori
Mentre il barocco romano (pensiamo a Caravaggio) gioca sul contrasto luce-ombra (chiaroscuro), il barocco ucraino punta sulla diffusione della luce.
In architettura: Le pareti delle chiese venivano intonacate di bianco abbagliante, con cupole dorate che riflettevano il sole.
In Diletsky: Questo si traduce nella sua predilezione teorica per le triadi maggiori e per armonie "aperte". Nella sua Grammatika, egli descrive il modo maggiore come espressione di "allegria, vittoria e splendore". Il risultato è una musica che non opprime il fedele, ma lo solleva, riflettendo la luminosità fisica dello spazio bianco e oro.

2. L'Ornamento: Dal Ricamo alla Polifonia
L'Ucraina ha una tradizione millenaria di ornamentazione densa (si pensi ai ricami vyshyvanka o alle uova dipinte pysanky). La teoria di Diletsky integra questa attitudine "horror vacui" (paura del vuoto) nella musica:
Fioriture vocali: Diletsky teorizza l'uso di "passaggi" e abbellimenti che imitano i viticci e i fiori degli intagli lignei. Una singola sillaba del testo sacro può essere "ricamata" con decine di note, creando un effetto di abbondanza e fertilità tipico della terra ucraina.
Ritmi vitali: A differenza della polifonia severa di stampo palestriniano, Diletsky assorbe i ritmi ternari delle danze popolari e dei canti di festa (kanty), rendendo la musica liturgica vibrante, quasi come un giardino in fiore.

3. La Natura come Modello Sinestetico
Il Barocco ucraino è profondamente legato al mondo vegetale. Le iconostasi di quel periodo sono piene di grappoli d'uva, girasoli e foglie d'acanto.
L'Armonia come "Natura Divina": Diletsky presenta la sua teoria non come un'imposizione artificiale, ma come la scoperta dell'ordine naturale creato da Dio.
Sinestesia floreale: La sensazione che si prova ascoltando un suo concerto sacro a 8 o 12 voci è quella di un "giardino sonoro". Le voci si intrecciano come rami, e ogni voce è un colore diverso. Questa complessità ornamentale non è fine a se stessa, ma serve a celebrare la bellezza del creato, un pilastro della visione solare ucraina.

4. Il Ruolo dell'Oro e del Timbro
Nella sinestesia di Diletsky, il timbro delle voci acute (Soprani e Alti, spesso interpretati da voci bianche) corrispondeva allo scintillio dell'oro delle icone:
Brillantezza: La sua insistenza su registri vocali chiari e su raddoppi di terza e sesta (intervalli dolci e luminosi) serve a trasporre in musica la radiosità dei metalli preziosi che adornavano le chiese.

Conclusione: Un'Estetica di Resurrezione
In definitiva, la teoria di Diletsky concorre a rendere "solare" il barocco ucraino perché sposta l'accento dalla sofferenza della Passione alla Gloria della Resurrezione. Ogni elemento — il bianco delle mura, l'oro dell'iconostasi, l'ornamento vegetale e la polifonia brillante — lavora insieme per creare un'anticipazione del Paradiso sulla terra, percepito come un luogo di luce infinita e armonia perfetta.



IL SIMBOLO DELLA VITE E LA MUSICA 

L'analogia tra la vite (elemento centrale dell'iconografia cristiana e dell'intaglio barocco ucraino) e la frase musicale in Diletsky è uno dei punti più affascinanti per comprendere la sua sinestesia.
Nella tradizione ucraina, la vite non è solo un simbolo teologico ("Io sono la vera vite"), ma un motivo decorativo dinamico, caratterizzato da curve sinuose, viticci che si avvolgono e grappoli d'uva.
Ecco come questo si traduce in una "frase musicale" secondo i precetti della Grammatika:

1. Il "Viticcio" Musicale: Il Melisma Circolare
Proprio come un viticcio non cresce in linea retta ma si avvolge su se stesso, Diletsky utilizza il melisma (una serie di note su una singola sillaba) con una struttura circolare.
Corrispondenza: Se l'intagliatore barocco scolpisce una spirale di legno, Diletsky scrive una frase che "ruota" attorno a una nota centrale, salendo e scendendo rapidamente. Questo crea un effetto di morbidezza e flessibilità che rompe la rigidità del vecchio canto piano, imitando il movimento organico della pianta.

2. Il "Grappolo": L'Accordo di Terza e Sesta
Il grappolo d'uva è un accumulo di elementi piccoli, dolci e densi.
Corrispondenza: Invece di usare solo intervalli vuoti e severi (quarte e quinte), Diletsky riempie la sua polifonia con intervalli di terza e sesta.
La sensazione: Questi intervalli, che nella sua teoria sono considerati "dolci" e "pieni", creano una densità sonora che ricorda visivamente la pienezza di un grappolo. Quando più voci cantano queste armonie vicine, il suono diventa "succoso" e ricco, riflettendo l'abbondanza naturale tipica del barocco solare.

3. La Crescita Organica: L'Imitazione
La vite si espande replicando la sua forma da un ramo all'altro. In musica, Diletsky usa la tecnica dell'imitazione:
Corrispondenza: Una voce inizia un motivo (un "ramo") e, poco dopo, una seconda e una terza voce lo ripetono a altezze diverse.
L'effetto visivo-sonoro: All'ascolto, si ha l'impressione di una pianta che cresce e si arrampica nello spazio della chiesa. Non è una struttura statica, ma un organismo che "germoglia" in ogni battuta, proprio come le decorazioni che sembrano voler uscire dalle cornici delle iconostasi.

4. Il Ritmo "Zizit": Il Battito della Foglia
Diletsky introduce ritmi puntati e sincopi che i teorici dell'epoca chiamavano talvolta con onomatopee per descriverne la vivacità.
Corrispondenza: Come la luce del sole che filtra tra le foglie della vite crea un gioco di ombre e luci tremolanti, i rapidi passaggi di crome e semicrome nelle opere di Diletsky creano uno scintillio sonoro. Questo dinamismo ritmico impedisce alla musica di diventare pesante, mantenendo quell'atmosfera "aerea" e solare tipica del giardino barocco.

Un esempio pratico
Se prendiamo una frase del suo Canone della Resurrezione, su una parola come "Pascha" (Pasqua), noteremo:
Inizio: Una nota lunga e ferma (il tronco della vite).
Sviluppo: Un'improvvisa cascata di note rapide che salgono e scendono (il viticcio che si avvolge).
Conclusione: Un accordo pieno a 8 voci (il grappolo maturo).

Questa non è solo musica: è decorazione commestibile per l'udito, progettata per far sentire al fedele la fertilità e la gioia del Regno di Dio.



CONFRONTO TRA LINEA ANTICA E LINEA A VITE

Ecco uno schema concettuale per visualizzare la differenza tra la linea "architettonica" del canto antico e la linea "organica a vite" della teoria di Diletsky.

1. Il Canto Antico (Znamenny / Piano)
Immagina una linea orizzontale e gerarchica, simile ai gradini di una cattedrale romanica o alla base di un muro di pietra.
Forma: ------_------_------
Caratteristiche: Note lunghe, passi piccoli (gradi congiunti), estrema stabilità.
Sensazione visiva: Un orizzonte piatto, solido, immutabile. È il simbolo dell'eternità statica.

2. La Linea "a Vite" di Diletsky (Barocco Solare)
Immagina una linea curvilinea e rampicante, che si avvolge su un asse invisibile proprio come il fusto di una vite su un'iconostasi.
Forma:  -@-@@-@---@-@@@-
Movimento (Il Viticcio): La melodia non va da A a B, ma "orbita" attorno a una nota (es: Sol-La-Si-La-Sol) con rapidi passaggi di semicrome. Crea una spirale sonora.
Densità (Il Grappolo): In punti specifici, la melodia si ferma su accordi densi (terze e seste), creando una "massa" sonora che dà l'idea di peso e maturità, come un frutto.
Direzione: È sempre proiettata verso l'alto, ma con un andamento a zigzag o a spirale, mai retta.

Confronto Visivo-Strutturale
Elemento:  Canto Tradizionale (Muro)  -   Stile Diletsky (Vite)
Geometria:  Linea Retta / Quadrato   -  Spirale / Ellisse
Ritmo:  Isocrono (battito costante)  -   "Zizit" (sincopato, vibrante)
Spazio:  Bidimensionale (avanti/dietro)  -   Tridimensionale (avvolgente)
Simbolismo:  La Legge, la Roccia  -   La Vita, il Giardino di Pasqua

La "Vite" prevale nel Barocco Ucraino perché mentre il muro separa, la vite connette. Nelle composizioni di Diletsky, le voci non sono blocchi separati, ma rami della stessa pianta che si intrecciano: quando il Soprano sale con un "viticcio" melodico, il Tenore risponde avvolgendosi attorno alla stessa nota.

Questa sinestesia del movimento rendeva la liturgia non solo un rito da ascoltare, ma un ambiente organico in cui il fedele si sentiva parte di una natura divina rigogliosa e "solare".



SINTESI DELLA TEORIA MUSICALE DI DILETSKY E IL BAROCCO SOLARE UCRAINO

La teoria musicale di Nikolai Diletsky rappresenta il codice genetico del Barocco Solare ucraino. Essa non è solo un manuale tecnico, ma una visione del mondo dove il suono diventa luce, architettura e natura viva.
Ecco una sintesi dei pilastri di questa "sinestesia solare":

1. La Luce come Armonia (Tonalità Maggiori)
Se il barocco europeo spesso indugia sul dramma dell'ombra, quello di Diletsky è un barocco della luce.
Sintesi: Diletsky teorizza la "solarità" attraverso la predilezione per le tonalità maggiori e gli accordi di terza. Nella sua Grammatika, il suono non deve opprimere, ma risplendere come le pareti bianche e le cupole d'oro delle chiese di Kiev, elevando lo spirito verso una gioia pasquale perenne.

2. L'Ornamento Organico (La "Linea a Vite")
Diletsky trasforma la rigida linea melodica medievale in un organismo vivente.
Sintesi: La musica adotta il motivo della vite, tipico dell'intaglio ligneo ucraino. Le frasi musicali si avvolgono in melismi circolari (i viticci) e si addensano in armonie piene (i grappoli). Questa ornamentazione densa riflette l' horror vacui delle iconostasi barocche, dove ogni spazio è riempito di vita e movimento.

3. La Tridimensionalità Sonora (Architettura e Coro)
La teoria di Diletsky non concepisce il suono nel vuoto, ma in relazione allo spazio sacro.
Sintesi: Attraverso la policoralità (8 o più voci), il compositore progetta un'architettura sonora che avvolge il fedele a 360 gradi. Il dialogo tra i cori imita la struttura fisica della chiesa, rendendo il suono "solido" e tangibile come le colonne e le gallerie dell'edificio.

4. La Teologia dei Sensi (Il "Concerto delle Arti")
Per Diletsky, la musica è il punto di convergenza tra intelletto e percezione sensoriale.
Sintesi: L'accordo perfetto (la triade) è la sinestesia della Trinità: tre suoni che l'orecchio percepisce come uno, proprio come l'occhio vede l'unità divina in un'icona. La musica "dipinge" il testo sacro, rendendo visibili i concetti teologici attraverso il movimento delle voci (retorica musicale).

Conclusione: Il Fondamento del Barocco Solare
In sintesi, la teoria di Diletsky è il fondamento del Barocco Solare perché sposta il baricentro dell'esperienza religiosa dalla contemplazione austera alla celebrazione radiosa. Grazie a lui, la liturgia ucraina del XVII secolo diventa un'opera d'arte totale dove:
Il Bianco delle mura è il silenzio luminoso.
L'Oro delle icone è il timbro dei soprani.
La Vite intagliata è la melodia che si arrampica verso Dio.



LA TEORIA MUSICALE DI DILETSKY E L'ESTETICA DI SKOVORODA

La relazione tra la teoria musicale di Nikolai Diletsky e il pensiero di Hryhorij Skovoroda (1722–1794) è profonda e affascinante: rappresenta il filo rosso che unisce il Barocco maturo all'Illuminismo mistico ucraino.
Sebbene Skovoroda sia vissuto un secolo dopo, la sua filosofia è l'esplicitazione concettuale di ciò che Diletsky aveva messo in musica. Il punto d'incontro è il cuore (Cordocentrismo) come organo di percezione della gioia divina (Radosh).

1. Il Cordocentrismo: Il Cuore come "Officina della Musica"
Nella tradizione ucraina, il cuore non è solo sede dei sentimenti, ma il centro dell'essere e l'unico luogo dove l'uomo può incontrare Dio.
In Diletsky: La sua teoria della "retorica degli affetti" non mira a un esercizio intellettuale, ma a colpire il cuore. La polifonia partesny è progettata per far "vibrare" il muscolo cardiaco del fedele. Per Diletsky, la musica è una "medicina spirituale" che apre il cuore alla grazia.
In Skovoroda: Il filosofo insegna che "tutto ciò che è esterno è morto; la vera vita è nel cuore". La musica di Diletsky è la colonna sonora di questo movimento interiore: non è un suono che viene da fuori, ma un'armonia che deve risuonare nella "chiesa interiore" dell'uomo.

2. Il Radosh (La Gioia Radiosa)
Il Radosh è il concetto ucraino di una gioia spirituale che è allo stesso tempo serena e dinamica, una sorta di "allegrezza pasquale" permanente.
La teoria di Diletsky: Come abbiamo visto, la sua predilezione per il "Barocco Solare", le tonalità maggiori e i ritmi danzanti (i kanty) è la traduzione tecnica del Radosh. La musica di Diletsky "scaccia la malinconia", che per i mistici ucraini era un peccato contro la speranza.
Skovoroda e la "Simpatia": Skovoroda definisce la felicità come l'armonia tra l'uomo e la natura divina. Egli stesso era un musicista (suonava il flauto e cantava) e vedeva nella musica l'esempio supremo di Radosh. Per lui, un'anima in pace è un'anima che "canta correttamente", riflettendo le proporzioni matematiche e divine che Diletsky aveva codificato nella sua Grammatika.

3. La Sinestesia del "Mondo Piccolo" e "Mondo Grande"
Skovoroda teorizza l'esistenza di tre mondi: il Macrocosmo (l'universo), il Microcosmo (l'uomo) e il mondo dei simboli (la Bibbia).
Sintesi con Diletsky: La teoria sinestetica di Diletsky agisce come collante tra questi mondi.
La Vite musicale (il Microcosmo del decoro) riflette la Vite biblica (il mondo dei simboli) e l'ordine delle sfere celesti (il Macrocosmo).
Quando il cuore (cordocentrismo) percepisce questa corrispondenza attraverso l'udito e la vista, esplode nel Radosh.

4. La Musica come "Esercizio di Libertà"
Skovoroda amava la "libertà sopra ogni cosa". La polifonia di Diletsky, con la sua indipendenza delle voci che però convergono in un'armonia unitaria, è la metafora perfetta della società ideale di Skovoroda:
"Diverse corde, un solo suono; diverse voci, una sola armonia."
Questa è la democrazia spirituale del barocco ucraino: ogni individuo (voce) è libero e ornato (la vite), ma tutti insieme concorrono alla creazione della luce (il barocco solare).

Sintesi Finale
Concetto:  In Diletsky (Musica)  -   In Skovoroda (Filosofia)
Cuore :  Target della retorica musicale   -  Centro dell'universo interiore
Radosh :  Tonalità maggiori, ritmi brillanti  -  Stato di pace e gioia dell'anima
Sinestesia :  Unione di suono, luce e architettura   -  Unione di Macrocosmo e Microcosmo
Vite:  Ornamento melodico e vitale  -   Simbolo della crescita spirituale

In definitiva: Diletsky ha insegnato agli ucraini come "ascoltare" Dio, Skovoroda ha insegnato loro come "pensare" a quella stessa armonia.



SKOVORODA CON IL FLAUTO COME ICONA DEL BAROCCO SOLARE UCRAINO

L'immagine di Hryhorij Skovoroda che cammina per le strade dell'Ucraina del XVIII secolo con un bastone in mano e un flauto traverso infilato nella cintura è l'icona stessa del "Barocco Solare" in movimento. La sua vita fu la messa in pratica della teoria dell'armonia di Diletsky, trasportata fuori dalle cattedrali e portata nel "tempio della natura".
Ecco alcuni aneddoti che illustrano come Skovoroda vivesse la sinestesia e la musica come esercizio di Radosh (gioia):

1. Il flauto come "compagno di libertà"
Skovoroda rifiutò carriere prestigiose e ricchezze per vivere come un filosofo errante. Portava con sé pochissime cose: una Bibbia in greco e il suo flauto.
La pratica del Radosh: Quando arrivava in un villaggio o si riposava sotto un albero, suonava. Per lui, il suono del flauto era un modo per "accordare" la propria anima (il microcosmo) con l'armonia dell'universo (il macrocosmo). Se Diletsky cercava l'armonia nelle 8 voci di un coro, Skovoroda la cercava nella purezza di una singola linea melodica che risuonava nel silenzio della steppa.

2. La musica contro la "Noia" (Melanconia)
Skovoroda considerava la tristezza e l'ansia come "malattie del cuore" che oscuravano la luce divina.
La cura di Diletsky: Seguendo l'idea di Diletsky che la musica debba "muovere gli affetti", Skovoroda usava il canto e il flauto come terapia. Definiva la musica "la medicina della malinconia". Spesso componeva i suoi Kanty (canti spirituali) su ritmi di danza o melodie popolari ucraine, trasformando il rigore teologico in una gioia accessibile a tutti, dai contadini ai nobili.

3. L'aneddoto del "Canto degli Uccelli"
Si racconta che Skovoroda amasse ascoltare gli uccelli e cercasse di imitarne i trilli col flauto.
La Vite Musicale nella Natura: Questo richiama direttamente la "linea a vite" di Diletsky. Skovoroda vedeva nei gorgheggi degli uccelli la polifonia naturale creata da Dio. Per lui, comporre musica non era inventare qualcosa di nuovo, ma "scoprire" l'armonia che Dio aveva già seminato nel mondo, proprio come l'intagliatore barocco "scopriva" la vite nel pezzo di legno.

4. La scelta libera
Grazie alla sua voce straordinaria e alla sua competenza musicale (formata all'Accademia di Kiev-Mohyla, dove i testi di Diletsky erano legge), Skovoroda fu inviato a San Pietroburgo per cantare nel coro imperiale.
La scelta della "Solarità": Nonostante il successo, fuggì per tornare in Ucraina. Sentiva che la musica di corte era "artificiosa" e priva di quel calore solare e cordocentrico che trovava nelle campagne ucraine. Preferiva essere un "povero flautista" libero piuttosto che un cantante famoso in una gabbia dorata.

5. La morte come "Ultima Sinfonia"
L'aneddoto più celebre riguarda la sua morte nel 1794. Si dice che Skovoroda, sentendo arrivare la fine, scavò la propria tomba, si lavò, indossò abiti puliti e si sdraiò a riposare, morendo in totale serenità.
Sintesi finale: Questo atto estremo di autocontrollo è il culmine del Radosh. Egli affrontò la morte non con terrore, ma come una transizione armonica, un "cambio di tonalità" nel circolo delle quinte della vita. Sulla sua tomba fece scrivere: "Il mondo mi ha dato la caccia, ma non mi ha catturato".

In conclusione: Se Diletsky ha codificato le regole del paradiso sonoro, Skovoroda è stato colui che ha dimostrato che quel paradiso si può portare in tasca, sotto forma di un flauto, e che la "solarità" non dipende dall'oro della chiesa, ma dalla luce che brilla nel cuore (cordocentrismo) di chi sa ascoltare l'armonia del creato.